El color puede crear un cambio drástico visualmente. No es necesario que sea un cambio radical, incluso con unos retoques sutiles se puede generar un gran impacto en la audiencia.

Este artículo no hará que seas automáticamente un buen colorista. Pero te explicará el proceso, los aspectos más relevantes, consejos y herramientas para hacértelo más fácil. 

Las dos fases del Color 

Empecemos por el concepto que te hará ver las cosas de otra manera. Existen dos fases bien diferenciadas dentro de la postproducción de Color: la corrección de color vs. el color grading.

La corrección de color es el proceso de postproducción por el cual se corrige una pieza audiovisual para que exista una coherencia estética y que todas las escenas tengan un equilibrio en el color. Es la parte más técnica del tratamiento, donde también se igualan las distintas cámaras que se hayan podido usar.

A partir de esta base, el colorista puede continuar con la fase del color grading.

El color grading es el proceso más creativo, con el cual generamos el estilo de la imagen final. Es nuestra oportunidad de provocar emociones y sensaciones en los espectadores. Cada color tiene una intención.

Aquí es donde entra en juego la psicología del color, que nos ayudará a entender mejor qué queremos transmitir en cada pieza. 

La pregunta del millón: ¿porqué el Color Grading importa?

La claridad visual de la historia importa, y es esencial para que exista. Queremos que la imagen en nuestro video tenga el impacto adecuado, por lo que si no tienes el control sobre el matiz del color, no podrás crear la escena que buscas.

Recuerda que el color afecta al tono emocional y la estética final que tus ojos pueden ver. Además, esto tiene una enorme influencia en cómo nuestro cerebro interpreta lo que vemos en pantalla.

¿Te has fijado que está muy de moda el conseguir un “look cinemático” para vídeo? Se trata de trasladar ese tono fílmico de las películas a un material audiovisual que no ha sido grabado como tal. Tu storytelling visual puede ser tan potente como un buen guión. 

“No es la flecha, es el indio”

Cualquier persona puede comprar LUTs o presets que pueden incorporar a su material y conseguir un look final. Como filtros que aplicas en tus fotos generando una serie de ajustes automáticos.

Pero la pregunta es, ¿eres capaz de hacer que tu material tenga consistencia y un look final enriquecido manualmente?.

Para ello hay distintas herramientas de software en el mercado, pero sin duda, la más potente y más usada a nivel profesional es DaVinci Resolve. Si ya has manejado otros programas de postproducción, te será fácil aprender o migrar a este software. Tiene una versión gratuita de gran capacidad y una versión “Studio” de pago.

Sin embargo, para desarrollar todo tu potencial como colorista y tener una personalidad y visión propias, no importa el conocimiento técnico del software, si no entiendes el porqué de lo que haces y para qué lo haces. Tu bagaje cultural, estilo, carácter y creatividad son los elementos que harán que destaques sobre otros profesionales.

Un claro ejemplo es el director de fotografía Vittorio Storaro, quien es conocido por trabajos como El último emperador, Apocalypse Now o Último tango en París. Su filosofía se inspira, en gran medida, en la teoría de los colores de Johann Wolfgang von Goethe, que se centra en los efectos psicológicos que tienen los diferentes colores y cómo estos influyen en nuestras percepciones de diferentes situaciones. 

El Color en acción

El cine es una actividad creativa y técnica a la que llamamos arte. No importa tu grado académico, cuántos cursos hayas estudiado o si eres autodidacta, tu flujo de trabajo debe ser personal.

No sientas que deberías replicar lo que otros profesionales hacen paso por paso. En cambio, el mejor camino es explorar y jugar con tus habilidades creativas, ya que cada uno tiene una forma diferente de afrontar los proyectos y de conseguir resultados.

Es importante no olvidar la parte técnica que la cinematografía requiere, y a partir de ahí, construir tu mundo creativo.

Así que por mucho que esta pequeña guía puede haberte ayudado, te invito a que explores tu potencial y que no renuncies a hacer de tu pasión tu profesión. Si te gustaría ser Colorista profesional, aquí va la regla de oro: solo toma el consejo de aquellas personas que ya trabajan de lo que a ti te gustaría…

…y acción!

Autora del artículo: Irene Ferarios

La entrada 4 razones por las que el Color Grading marcará la diferencia en tus videos se publicó primero en Productora audiovisual Motion Graphics.

Herramientas para animar logotipos

Existen bastantes programas para poder realizar animaciones de nuestro logotipo y también para animaciones más complejas:

• Adobe Spark
• Adobe After Effects
• Animatron
• Gimp (gratuito)
• Pencil (gratuito)
• Scratch (gratuito)
• Tupi (gratuito)
• Synfig (gratuito)
• Opentoonz (gratuito)

Muestras de animaciones

Aquí muestro algún ejemplo de animación en 2D sobre logotipos, ¿cuál te gusta más? ¿hay alguno que encaje mejor con tu logotipo?

Y aquí el 25 Aniversario de animaciones de #LogosEmprendedores gracias a Carlos García Cubero

También como inspiración estas maravillosas animaciones de marcas conocidas:

La entrada Animación de Logotipos en 2D se publicó primero en Productora audiovisual Motion Graphics.

Para entender bien la técnica vamos a repasar los origenes.

Historia del Croma

El origen del croma es gracias a numerosas pruebas realizando efectos visuales, el primero y más conocido fue Georges Méliès.

Georges Méliès, padre de los efectos visuales

Fue un ilusionista y cineasta francés, un visionario que plasmó su genialidad en más de 500 películas, también fue el propietario del primer estudio acristalado diseñado específicamente para el cine.

Mejoró la técnica del plano mate o matte shot, que consiste en tapar parcialmente el objetivo de la cámara con cristales pintados de negro, evitando así que la película quedara impresa por la luz en esa zona concretamente que también se llama máscara.
Después, rebobinando la cinta e invirtiendo la máscara, quiere decir, cubriendo la zona opuesta del objetivo, impresionaba el resto de la película.

Aquí debajo dejo un tweet de donde Carolina Jiménez deja bien claro la técnica matte shot, gracias Carolina!

Proceso Williams o Williams double matting process

El primer método que utilizó una máscara móvil fue desarrollado por el director de fotografía americano Frank D. Williams, llamado Proceso Williams (1918).

Primero se grababa a los actores moviéndose sobre un fondo negro, tras el revelado se hacía una copia de la película elevando al máximo el contraste, de modo que la acción de los actores quedaba registrada como una silueta blanca sobre un fondo negro. Y era este fondo negro con la silueta blanca en movimiento recortada sobre el lo que se utilizaba como matte shot, permitiendo que la zona negra quedara sin impresionar disponible para realizar después la composición.

El proceso de Williams tuvo algunos problemas: por un lado, cualquier sombra sobre el tema se perdería en el mate. Una alternativa surgió en 1925, inventada por C. Dodge Dunning, que eventualmente se llamaría Dunning Process.

Dunning Process o proceso de reclamo

Este proceso utilizó luces de colores, iluminando una pantalla de fondo en azul y el personaje en primer plano en amarillo. Usando tintes y filtros, la luz azul y amarilla se podría dividir para crear mates de movimiento. El Dunning Process se utilizaría por primera vez en King Kong en 1933.

El problema con el Dunning Process era que solo funcionaba con películas en blanco y negro. Pronto salió una nueva técnica y vendría en 1940 por el artista de efectos especiales Lawrence W. Butler en El ladrón de Bagdad.

Proceso de la pantalla azul o bluescreening process

Usando el proceso de tres secuencias en Technicolor, Butler filmó al personaje contra un fondo azul. Se usó azul porque era el más alejado de los tonos de piel y el material de película azul tenía el grano más pequeño. Tomando la separación azul de los tres negativos en Technicolor, Butler pudo crear una silueta mate como con el proceso Williams. Luego, usando una impresora óptica, una invención (relativamente nueva en ese momento) que podía combinar varias secuencias de la película en una, Lawrence primero eliminaría el fondo azul de la toma del primer plano y, usando el negativo del mate en movimiento, eliminaría el espacio de primer plano de la toma de fondo y luego finalmente combinar las tomas de primer plano y de fondo.

Esta técnica de pantalla azul ganó un Oscar a los mejores efectos especiales por El ladrón de Bagdad de Lawrence Butler en 1940, pero no estuvo exenta de problemas. Este proceso requirió mucho tiempo, ya que involucró realizar varios pasos con una impresora óptica. Otro problema era que casi siempre se veía una delgada línea azul en las tomas. Tampoco podía controlar detalles finos como el cabello, humo o desenfoques de movimiento. A pesar de tener estas limitaciones, el proceso de la pantalla azul se utilizó ampliamente, incluso en éxitos de taquilla como Los diez mandamientos en 1956.

Hollywood siguió experimentando con otras variaciones en el proceso de la pantalla azul, incluido el mate ultravioleta como se usa en The Old Man y The Sea . Pero el verdadero desafío a la pantalla azul se creó a finales de los 50 y se le atribuye a uno de los gigantes del mundo de la composición, Petro Vlahos.

Petro Vlahos y su Chroma Key

Este ingeniero fue el que definitivamente dio un paso de gigante al solucionar los problemas de recorte de las imágenes reales sobre el fondo de color, logrando un efecto realista que año a año se ha ido perfeccionando. Su principal aportación fue la creación de un proceso de laboratorio complejo que implicaba la separación de la señal en azules, verdes y rojos antes de combinarlas de nuevo juntas en un orden determinado junto a una señal externa a incrustar.

Vlahos implementó su técnica que denominó “colour-difference travelling matte scheme” a petición de la Metro-Goldwin-Mayer. Fue puesta en práctica por primera vez para grabar la escena de la carrera de cuadrigas en Ben-Hur, estrenada también en 1959.

Gracias a esta técnica se acabaron los problemas de recorte que solía generar el pelo, el humo o los reflejos.

Petros fundó Ultimatte Corporation en 1976 para desarrollar su invento en la televisión. Creó más de 35 patentes de aparatos relacionados con películas. En 1978 gano un Emmy por la tecnología de composición Ultimatte.

Hoy en día el chroma key es un recurso habitual en la producción de cine y televisión.

¿Qué es el Chroma key?

Es una técnica audiovisual que consiste en extraer un color de una imagen o vídeo para reemplazarla por otra imagen o vídeo, Esto se hace habitualmente rodando al personaje o escena con un fondo verde o en otras ocasiones azul. Son unos tonos específicos, no valdría cualquier verde o cualquier azul. Después habría que utilizar un programa informático de edición de vídeo (ejemplo Adobe Premiere) para eliminar (o hacer transparente) ese fondo verde o azul.

Es utilizada en postproducción, cine, televisión y fotografía, normalmente cuando resulta muy costoso o poco factible grabar en el escenario deseado. Con este recurso se permite la creación de muchos efectos especiales.

¿Cómo se hace?

Antes de pasar a la explicación me hago una pregunta ¿Por qué el fondo de la grabación tiene que ser verde o azul?

En Croma key se puede usar con distintos colores de fondo aunque lo más recomendable para grabar son los colores más alejados al tono de nuestra piel ( verde y azul).

En posproducción se discriminan mejor. El verde es el más estándar porque actualmente las cámaras digitales son más sensibles a él, por lo que es más fácil a la hora de extraerlo. El postproductor siempre escogería el color azul por facilidad de key y el director de fotografía el verde, porque es muchísimo más fácil de iluminar.

¿Cuándo usar fondo verde o azul?

Puede haber varios factores. Depende de lo que lleve puesto el personaje y de lo que se muestre en escena. Aunque habría que tener en cuenta donde aparecería el personaje, si la localización es un exterior a la luz del día, se filmaría en croma verde ya que los posibles restos de verde que queden en los bordes al extraer el croma key, se disimularán mejor con el fondo. En cambio si se graba durante la noche lo más recomendable es el croma azul.

Lo primero que habría que hacer (es muy importante) es iluminar el fondo y el personaje por separado. El fondo tiene que iluminarse lo más plano y liso que sea posible. Que no haya sombras ni fuentes de luz difusas (que no produzcan sombras definidas). Si se utilizar una tela como croma es importante que no tenga arrugas.

A continuación se grabará al personaje, proyectándole una luz diferente a la del fondo.

Después se rodará la imagen que va a ocupar el hueco que deje el croma key (habría que tener en cuenta el tamaño de plano, ángulo, y demás factores de composición )

Y después gracias a un ordenador con un software especializado en edición de vídeo eliminaremos el croma e integraremos la imagen.

El Chroma key se puede utilizar en: fondos fantásticos, sustituyendo exteriores, escenas de riesgo, marionetas o animatrones, para recortar a los actores, explosiones y pirotecnia, o también maquetas.

La entrada ¿Qué es la Técnica Croma o Chroma key? Toda la historia se publicó primero en Productora audiovisual Motion Graphics.

Diferencia entre VFX y FX

VFX: Los efectos visuales son los que se realizan en postproducción, es decir, se añaden al material ya grabado. Son los más utilizados en películas estilo The Matrix, Titanic, Vengadores – Endgame, Star Wars, etc. Se realizan cosas maravillosas a menor coste y muuucho más seguras para los actores/actrices que participan en los rodajes.

Aquí algunos ejemplos de VFX en la película The Matrix:

FX: Los efectos especiales son los que crean durante la grabación, sin la ayuda de la postproducción, como pueden ser escenas de tiroteos, explosiones, personas colgadas de cables…

Ejemplo de Efectos especiales en el cine mudo:

Software utilizado en VFX

Aquí una lista con los programas más utilizados para VFX:

• Autodesk Maya
• Flame Premium
• Smoke
• Autodesk 3DS Max
• Blender
• Houdini – SideFX
• RealFlow
• Cinema 4D
• Nuke
• Blackmagic Fusion
• Adobe After Effects

Profesiones de VFX

• Visual Effects Artist (Artista de efectos visuales)
• VFX compositor , utilizará técnicas como las de borrado de elementos, extracción de cromas (fondos verdes), ampliación de entornos hasta la integración de cualquier tipo de elemento digital
• On-set Supervisor, dirige y revisa la producción de todas las ilusiones ópticas realizadas con tecnologías digitales
• VFX Editor (Editor de efectos visuales)
• VFX Producer, gestiona todo el proceso de creación de VFX.
• Director de Arte, define gráficamente como será la imagen del proyecto que se va a desarrollar.

Fuente: https://www.lidembarcelona.com/los-vfx-y-su-amplio-abanico-de-ofertas-profesionales/

Artistas de Efectos Visuales

• Allan Mckay (Transformers: Dark of the Moon, Blade, The Last Airbender, Star Trek: Into Darkness)
• Carlos Baena (La Noria, The Tiger’s Apprentice, Play by Play, Market St. )
• Joe Letteri (Batman vs Superman: Dawn of Justice, The Hobbit, Avatar, Star Wars,..)
• Andrew Kramer (Tutoriales Video Copilot con After Effects)
• Dylan Code (Matte Painter en Return of the King y Concept Art Director en Avatar)
• Shawn Kelly
• Bobby Beck (animation mentor)
• Jeffrey A. Okun (Startgate, Deep Blue Sea, Starfighter: La aventura comienza)
• Craig Barron
• Matt Aitken
• Hasraf Dullul
• Pete Jopling
• Conrad Olson

Hago mención especial a la artista de Layout Carolina Jiménez.

Fuente: Wikipedia

Estudios de VFX en todo el mundo

• Deluxe Entertainment
• Double Negative
• Framestore
• Industrial Light & Magic
• Madison Square Garden Entertainment
• MediaMonks
• MPC Adverstising
• Sony Pictures Imageworks
• Technicolor
• The Mill
• Weta Digital
• Anibrain
• Animal Logic
• Base FX
• Cinesite
• Digital Domain
• Legend 3D
• Mackevision
• Method Studios
• Pixomondo
• Rodeo FX
• Scanline VFX

Fuente: https://studiohog.com/vfx-studios/

Como aportación de OK VIDEO puedes ver esta pequeña prueba con VFX:

La entrada ¿Qué son los VFX o efectos visuales? se publicó primero en Productora audiovisual Motion Graphics.

Esta canción pertenece al disco History del año 1995. Fué escrita Jimmy Jam, Terry Lewis y por el mismísimo rey del Pop (Michael Jackson). Cantó junto a su hermana (Janet) uno de los mejores dúos que se han podido escuchar del cantante.

La grabación de Scream se realizó en The Hit Factory en Nueva York y en Flyte Tyme Studios en diciembre 1994. Fue dirigido por Mark Romane.

¿Cuanto costó el vídeo Scream?

Un total de 7 millones de dólares se necesitaron para componerlo.

• 636.000 $ grabación de 11 días.
• 40.000 $ coreografía.
• 80.000 $ vídeos gigantes.
• 5.000.000 $ Once sets escenográficos.
• 175.000 $ Luces.
• 50.000 $ efectos Morphing.
• 53.000 $ de las Guitarras Gibson.
• 65.000 $ en la animación de la nave espacial.
• 8.000 $ en Maquillaje de Michael Jackson.

FUENTE: Wikipedia

Cosas que no conocías sobre la creación de Scream

Michael siempre quiso realizar un vídeo musical donde él y su hermana escapan de la prensa y rodeados de cosas futuristas, quería algo épico y lo lograron con este vídeo. Se invirtió muchísimo dinero: la animación de la nave espacial, las guitarras, efectos especiales, el maquillaje, la coreografía, las luces, las 11 escenografías.

La nave espacial estaba dividida en siete ambientes diferentes donde Michael los utilizaban para meditar, jugar o bailar.

Una de las curiosidades del vídeo fue que en todo momento utilizaron el blanco y negro, también aparecen fragmentos de uno de los comics más conocidos de todos los tiempo ‘Akira’. Michael quiso poner este dibujo en su videoclip porque aunque algunos no lo conocen, este dibujo representa el inicio del mundo de la animación del manga en Japón en los años 80.

Scream ganó varios premios, como por ejemplo al mejor vídeo musical, también por la mejor coreografía y mejor dirección artística en los premios MTV de 1995. Además obtuvo el primer lugar como el mejor vídeo del año en los premios Billboard.

Otros Videoclips más caros

El segundo de la lista de los videoclips más costosos sería la reina del pop Madonna con el tema Express Yourself (1989). Costó 7,1 millones de euros, siendo David Fincher el que lo dirigiera.

El tercero más caro también es de Madonna, la canción fue Die another day (2002). Esta vez fueron 6 millones de euros los que emplearon en la creación del videoclip. Fue banda sonora en una de las películas de la saga de James Bond, también la canción más bailada entre 2002 y 2003 y fue nominada para los Grammy.

Videoclip Madonna – Die another day

Y el cuarto puesto lo tiene también Michael Jackson con una de sus obras maestras ‘Black or White’ (1991)

Jackson se gastó más de 5 millones de euros en el vídeo. Consiguió una audiencia de unos 500 millones de personas.

Videoclip Michael Jackson – Black or White

La entrada ¿Cuál es el videoclip con mayor coste? se publicó primero en Productora audiovisual Motion Graphics.

¿Qué es un vector?

Los gráficos vectoriales están definidos por atributos matemáticos, que serian la posición, forma, el color u otros. Cada línea que lo compone está hecha desde un punto de inicio, punto final, radio, grosor, color y relleno.

Por ejemplo, para definir un círculo sencillo solo haría falta un punto medio y el radio.

Se utilizan principalmente para logotipos, iconos, ilustraciones, tipografías u otros elementos para webs.

Formatos de archivos vectoriales

• Ai (Adobe Illustrator)
• Fh (Freehand)
• Cdr (Corel Draw)
• Dwg (Autodesk)
• Wmf (meta archivo de Windows)
• Svg (Scalable Vector Graphics)
• Ttf (TrueType Font)
• Pdf (formato de Adobe)
• Af.dessign (Affinity Designer)

Este sería un ejemplo de imagen vectorial comparado con un mapa de bits:

Ventajas y desventajas de la imagen vectorial

• No pierde calidad al aumentar su tamaño (tampoco al ser impresas).
• Almacenan mucha más información compleja y ocupan poco espacio.
• Es un objeto o dibujo.
  
• Gran limitación a la hora de reproducir una fotografía en base a vectores.

¿Qué es un mapa de bits?

Es el formato gráfico cuya unidad mínima es el píxel (cuadro con información sobre su color). Estos píxeles se distribuyen en una cuadrícula que formarían la imagen completa.

Son idóneos para representar imágenes con muchos detalles, como por ejemplo fotografías hechas con cámara digital o las creadas a partir de un escáner.

La calidad del mapa de bits (y su resolución) dependería de la cantidad de pixeles que lo componen.

Formatos de mapa de bits (bitmaps)

• Png
• Jpg
• Gif
• Psd (Photoshop)
• Raw

Ventajas y desventajas de un mapa de bits

• Representan fielmente la realidad.
• La mejor opción para fotografías gracias a su alto nivel de detalle.
  
• Al aumentar su escala pierden demasiada calidad.
• Si tienen mucha calidad pueden pesar bastante.
  

Conclusión

A la hora de realizar animaciones suelo utilizar más imágenes vectoriales ya que los programas estilo After Effects se manejan mejor que estos formatos a la hora de realizar transiciones, escalar, etc.

La utilización de bitmaps es más recomendable en vídeos corporativos y/o presentaciones de producto ya que detallan con mayor realismo lo que se muestra.

Un ejemplo de animación con vectores para la empresa Krealia:

Otro ejemplo de animación realizada a partir de vectores, como veis es más sencilla la transición entre elementos vectoriales.

La entrada Vector vs mapa de bits (bitmap) se publicó primero en Productora audiovisual Motion Graphics.

Tropic Colour

Estos LUTs también contienen preajustes de fotos, recursos para editar en 4K luces anamórficas, efectos de humo, fuego. Todo ello con precios asequibles.

JOP LUT bundles 1 – 5

Con estos LUTs conseguirás obtener un aspecto cinematográfico perfecto. Este completo paquete contiene hasta 5 grupos de LUTs.

Magic Bullet Looks

Esta opción es muy utilizada, son bastante utilizados estos LUTs de RedGiant.

Color Grading Central LUTs (gratuito)

Color Grading Central es una creación de Denver Riddle, un colorista profesional que ha hecho mogollón de trabajos para mejorar la formación en la clasificación de color con sus productos y tutoriales.

Urban Desaturated LUTs

Este potente pack Urban Desaturated te ofrece 24 efectos increíbles en una sola descarga. En tan solo un instante podrás aplicar un acabado mate oscuro a cualquier vídeo. Además, incluye ajustes preestablecidos de Lightroom en cada efecto, lo que te permitirá también editar fotos fijas.

IWLTBAP 10 LUTs gratuitos

IWLTBAP puede ayudarte a conseguir un montón de looks populares con sus LUT profesionales. Aquí debajo tienes una muestra.

RocketStock 35 LUTs gratuitos

Este es uno de los paquetes gratuitos más utilizados. Son archivos 3D .CUBE, por lo que puedes usarlos en Premiere Pro CC, FCPX, After Effects CC, DaVinci Resolve y otras aplicaciones NLE y de gradación de color.

Este pack es bueno para looks vintage y vídeos cortos.

Fuente: https://www.shutterstock.com/blog/129-free-cinematic-luts

PremiumBeat 17 LUTs gratuitos

Si quieres más LUTs inspirados en películas clásicas no se te olvide descargar este paquete gratuito.

SmallHD 7 LUTs gratuitos

Este pack de LUTs gratuitos está inspirado en películas como The Matrix y Salvar al soldador Ryan.

Greyscalegorilla 13 LUTs gratuitos

Está diseñador para motion graphers, estos LUTs gratuitos del colorista Jeremy Stuart te pueden ayudar en cualquier proyecto.

Juan Melara 4 Free LUTs

Otro paquete del colorista profesional Juan Melata, este paquete gratuito incluye 4 emulaciones de películas Kodak.

Motion VFX

Estos LUTs que puedes usar son: Badlands, Dramatic, Cold War, Frontier, y Startling. El procesamiento de las imágenes es mucho más sencillo con estos LUTs, y también hay otros paquetes premium de pago.

LUTx: Final Cut Pro

Este paquete tiene dos LUTs gratuitos para Final Cut Pro. Podrás disfrutar de una gran flexibilidad en los ajustes de color con Apply Basic LUT y Apply Camera LUT.

La entrada Los mejores LUTs para vídeo se publicó primero en Productora audiovisual Motion Graphics.

Un buen ejemplo de animación 2D es la serie de dibujos para niños Peppa Pig,

Hay montón de series del estilo que gracias a los dibujos sencillos podemos enganchar al usuario (en este caso los niños).

Parece que al decir dibujos animados o animaciones en 2D no estamos enfocando a un público infantil. No se tiene que generalizar ya que el método para generar las animaciones puede aplicarse a objetos, logotipos, personajes, escenas.

La animación 3D es más compleja ya que existen más características que se pueden añadir como iluminación, texturas, cámaras. Cuenta con los 3 ejes X, Y y Z (profundidad).

¿Qué es la animación 3D?

Viene a ser un proceso informatizado utilizado por los animadores para dar la sensación de movimiento a través de la creación de secuencias de imágenes 3d fijas.

Los objetos creados pueden girarse y moverse en un espacio de 3 dimensiones (tridimensional) y se realiza mediante programas o aplicaciones (Autodesk Maya, Autodesk 3D Studio Max, Blender, Cinema 4D, MotionBuilder, Houdini, Modo) donde se modela y esculpe digitalmente.

También puedes darle a tus diseños un fondo, una iluminación, una profundidad o, incluso, un efecto de movimiento.

Aquí os dejo un enlace a un canal relacionado ESCARDO | Club de Animación 3D:

Consejos importantes para animar personajes en 3D

Crear unas claves de animación y ponerlo en movimiento quizás con una esfera sea algo sencillo, pero crear una animación de un personaje a veces tiene su complicación cuando este crece y se hace complejo.

Es realmente difícil animar un personaje, hay varios aspectos: uno es la aplicación de los principios de animación, por ejemplo cuando estamos animando, el time inadecuado, los arcos de movimiento hay muchas cosas que tiene que ser dominadas y ser aplicadas deforma adecuada.

Luego está la mecánica del movimiento, aveces trabajando con personajes bípedos que caminan, se mueven, se desplazan y nuestro ojo está acostumbrado todos los días a ver personajes bípedos no cuadrúpedos, pero los que animan en 3D observan y dicen que no se mueve bien.

Entonces, hacer que la mecánica del movimiento en los personajes 3D adquiera una calidad y un nivel lleva su tiempo y mucha práctica, ya no solo que se mueva bien sino que actúe motivado por algo interno, que puede ser una emoción, un pensamiento algo que llame la atención, que parezca que está vivo. Es algo fascinante de hacer, pero muy difícil, lleva tiempo no te creas que es algo tan sencillo animar personajes 3D .

Trucos para realizar animaciones 2D

Da igual si es una animación 2D o cualquier otro tipo de animación. Existen multitud de tips para crear animaciones impactantes y reales.

Los veteranos animadores de Disney, Ollie Johnston y Frank Thomas, sugirieron 12 principios de animación:

Fuente: https://www.renderforest.com/es/blog/2d-animation

• Ritmo: ajusta el tiempo de las escenas para que sean más lentas o más rápidas;
• Encoger y estirar: da peso y volumen a sus personajes mientras se mueven;
• Anticipación: informa al público sobre una acción importante que va a suceder;
• Dibujo Sólido: aunque los personajes se dibujan en un espacio bidimensional, deben parecer que sus formas tienen cierto peso;
• Puesta en escena: expresa la clara intención de sus personajes a través de cada pose o acción;
• Animación directa y Pose a pose: elije una de las técnicas de creación de animación; dibuja las posturas clave y luego agrega las posturas de transición, o crea cada escena una tras otra;
• Exageración: el uso de exageraciones en los movimientos también ayuda a enfatizar algunos puntos e ideas;
• Acelerar y desacelerar: para hacer que las acciones sean más realistas, dibuja más fotogramas al principio y al final de la acción y menos fotogramas en el medio;
• Arcos: añada movimientos ligeramente circulares a las acciones de los personajes;
• Acción complementaria y Acción superpuesta: presta atención a los movimientos de los personajes, ya que algunas partes se mueven más rápido que otras y cuando el personaje se detiene, algunas partes del cuerpo siguen moviéndose;
• Acción Secundaria: para enfatizar la acción principal, usa acciones secundarias que le agreguen más vivacidad;
• Atractivo: asegurate de crear personajes atractivos para que el público esté interesado en verlos.

Software para animación 2D

Hay software bastante bueno y profesional para realizar animaciones 2D, como por ejemplo:

Toon Boom Harmony (desde 17€ / mes)

CelAction2D (desde 1200€ pago único)

Opentoonz (gratuito)

Moho (Anime Studio) Pro (desde 462€ pago único)

Stop Motion Studio (desde $4.99), es animación frame a frame.

Adobe Animate (desde 25€ / mes)

¿Qué software utilizo para animar en 2D?

Yo uso principalmente Adobe After Effects, acompañado por Adobe Illustrator. Llevo bastantes años usando el software de aplicación de efectos de Adobe ya que permite un manejo muy completo de todos los elementos en las capas en la línea de tiempo.

También me ayudo alguna vez del software de retoque fotográfico Adobe Photoshop por si hay que modificar o añadir alguna imagen (bitmap) en la animación.

Ejemplo de Animación 2D:

La entrada ¿Animación 2D o 3D? ¿Cuál elegir? se publicó primero en Productora audiovisual Motion Graphics.

Estamos acostumbrados a consumir contenido cada vez más rápido y por ello que nos lanzan microcontenidos para que los veamos con más agilidad y pasemos a otro.

Tipos de microcontenido

• Infografías
• Texto corto en RRSS
• Podcast ( entre 2 – 3 minutos )
• Vídeos, píldoras, tutoriales o trucos de no más de 1 – 2 minutos

Ejemplos de éxito

Por ejemplo me he fijado que lo lleva realizando bastante tiempo Carlos Muñoz, emprendedor de emprendedores. Os muestro algunos ejemplos:

También otro blogger y Youtuber es Juan Merodio que habla sobre Marketing Digital.

Otro caso qué estoy viendo últimamente es la del emprendedor Euge Oller, creo que inspirado en Carlos Muñoz.

Tutorial básico de como crear Entradas en WordPress:

La entrada Microcontenidos: píldoras de vídeo, infografías se publicó primero en Productora audiovisual Motion Graphics.

Ventajas del teletrabajo

• Mayor conciliación
• Más flexibilidad
• Ahorras tiempo y dinero
• Aumente la productividad
• Integración de personas con discapacidad
• Retiene el talento

Desventajas del telatrabajo

• Desvinculación emocional con la empresa
• A veces es complicado desconectar
• Gastos para el trabajador
• Dificultad para controlar al empleado
• Aislamiento

Herramientas para teletrabajar

• Slack, herramienta de comunicación en equipo​.
• Skype, videoconferencia, también Zoom es del mismo estilo.
• Dropbox, almacenamiento de archivos en la nube, alternativas: OneDrive, GoogleDrive, Sync, Pcloud.
• Wetransfer, envío de ficheros, como alternativa está Smash.
• Trello, para organizar y priorizar tus proyectos, otra opción sería Monday.
• Spark, cliente de correo, otra alternativa es Newton.
• Mindnode, creador de mapas mentales e ideas.
• Teamleader, software para gestión comercial y seguimiento de clientes.
• Zoho Remotely, solución completa de trabajo remoto.

Webs de empleo para teletrabajar

• Freelancer
• Upwork
• Twago
• Fiver
• Envato Studio

Datos de interés sobre el teletrabajo:

• Solo el 3,24% de los acuerdos laborales de los últimos cinco años contemplan el trabajar desde casa, según UGT.
• En España tan sólo el 7% de los trabajadores ejerce el teletrabajo.
• Los países donde más se teletrabaja en el mundo son: Finlandia, Suecia, Países Bajos, Colombia, Japón o Estados Unidos.
• Según los últimos datos, ofrecidos por Infojobs, sólo un 19% de los trabajadores tiene posibilidad de acogerse algún día a esta fórmula de trabajo a distancia (2019).
• Hay 1,43 M de personas realizando sus labores mediante teletrabajo en España.
• En España, sólo un 16,2% de las empresas tenían, en 2012, empleados que realizaban, al menos, media jornada semanal en remoto.
• En 2017, según el Instituto Nacional de Estadística, sólo el 27% de las empresas españolas apostaban por el teletrabajo frente al 35% de media europea.
• El 69% de los empleados españoles preferiría teletrabajar desde su hogar, pero «no puede porque su empresa no se lo permite», según un estudio de Randstad.
• Las comunidades autónomas donde existe una mayor penetración son la Comunidad de Madrid (9,7%), Andalucía (8,4%) y la Comunidad Valenciana (8,1%). En el extremo contrario se sitúan las Islas Baleares (5,1%), Cataluña (5,3%) y Navarra (5,8%)

Casos de éxito de teletrabajo

• Amazon, abrió un proceso de selección en su compañía espacial Blue Origin (vuelos orbitales).
• Disney, la publicación de ofertas de trabajo remoto tuvieron mucho éxito, aún así tienen su web de trabajos par todo el mundo https://jobs.disneycareers.com/
• Apple, el perfil que buscaban era de home advisor que exige ser un profesional que responda inmediatamente cuando los usuarios contacten con la compañía pidiendo ayuda.
• Axa Seguros, implantó oficinas tecnológicas elevando la productividad entorno al 28% en días de teletrabajo.
  
  Fuentes: https://www.estrategiaynegocios.net/empresasymanagement/1114481-330/apple-disney-y-amazon-tres-casos-de-%C3%A9xito-de-teletrabajo
  
  https://www.masfamilia.org/blog/caso-de-exito-en-el-teletrabajo-axa-seguros/
  
  https://www.instagram.com/p/B938ujKllug/ (Instagram Juan Merodio)
  
  Imagen de la miniatura https://www.freepik.es/fotos-vectores-gratis/negocios

La entrada Teletrabajo en tiempos de crisis se publicó primero en Productora audiovisual Motion Graphics.