Aprendes cómo funciona una herramienta y, cuando empiezas a dominarla, aparece una nueva versión que la supera.

Lo que estamos viviendo con la generación de vídeo mediante IA no tiene precedentes. Hace apenas dos años los vídeos generados por inteligencia artificial eran cortos, poco realistas y con errores evidentes. Hoy vemos secuencias cinematográficas, movimientos de cámara complejos, personajes consistentes y resultados que cada vez se acercan más a una producción profesional.

Y lo más sorprendente no es la calidad actual.

Es la velocidad a la que está cambiando.

Una carrera tecnológica sin frenos

Durante décadas la evolución del vídeo digital fue relativamente gradual.

Las cámaras mejoraban.
Los ordenadores ganaban potencia.
Los programas de edición incorporaban nuevas funciones.

Sin embargo, la inteligencia artificial ha cambiado completamente el ritmo.

Lo que antes avanzaba en años ahora evoluciona en cuestión de semanas.

Cada vez que una empresa presenta un nuevo modelo parece que la competencia responde casi inmediatamente con una versión más potente.

El resultado es una carrera tecnológica en la que prácticamente cada mes aparecen novedades importantes.

De los primeros experimentos a vídeos cada vez más realistas

Los primeros modelos de vídeo generativo sorprendían por su capacidad de crear movimiento a partir de una imagen o una descripción escrita.

Sin embargo, tenían limitaciones evidentes:

• Personajes deformados.
• Movimientos poco naturales.
• Escenas incoherentes.
• Duraciones muy cortas.
• Escasa calidad visual.

Aun así, demostraron algo fundamental.

Era posible generar vídeo mediante texto.

Y a partir de ese momento comenzó una auténtica revolución.

Sora: el momento que cambió la industria

Cuando OpenAI presentó Sora, gran parte del sector audiovisual quedó impresionado.

Por primera vez era posible observar secuencias con una calidad visual que se acercaba mucho más a lo que podríamos esperar de una producción profesional.

Los movimientos de cámara eran más fluidos.

Las escenas tenían una mayor coherencia visual.

La iluminación y las texturas alcanzaban un nivel que hasta entonces parecía lejano.

Más allá de la calidad, Sora sirvió para demostrar que la generación de vídeo mediante IA iba mucho más en serio de lo que muchos pensaban.

Fue uno de esos momentos que marcan un antes y un después.

Veo: la apuesta de Google

Google tampoco tardó en mostrar sus avances.

Con Veo, la compañía apostó por un enfoque centrado en el realismo, el control creativo y la comprensión de instrucciones complejas.

Uno de los aspectos más interesantes es la capacidad para interpretar indicaciones detalladas relacionadas con:

• Tipos de plano.
• Movimientos de cámara.
• Estilos visuales.
• Iluminación.
• Narrativa cinematográfica.

Cada nueva versión incorpora mejoras que hace apenas unos meses parecían imposibles.

Y eso se está convirtiendo en una constante dentro del sector.

Lo que hoy nos parece espectacular probablemente será considerado básico dentro de unos meses.

Kling y el avance de los modelos chinos

Mientras gran parte de la atención mediática se centraba en Estados Unidos, varias empresas chinas comenzaron a desarrollar modelos extremadamente competitivos.

Uno de los casos más destacados es Kling.

Este modelo llamó rápidamente la atención por su capacidad para generar vídeos muy realistas y con movimientos especialmente naturales.

Además, su ritmo de evolución ha sido enorme.

Versión tras versión ha ido mejorando aspectos clave como:

• Consistencia de personajes.
• Física del movimiento.
• Expresiones faciales.
• Calidad visual.
• Duración de las secuencias.

Actualmente ya compite de tú a tú con algunos de los modelos más conocidos del mercado.

Ray y la llegada constante de nuevos competidores

Algo que estamos aprendiendo en esta industria es que ningún liderazgo parece definitivo.

Cada pocos meses aparecen nuevos modelos que prometen superar a los anteriores.

Ray es otro ejemplo de cómo el ecosistema de IA para vídeo continúa expandiéndose rápidamente.

La barrera tecnológica sigue siendo muy alta, pero cada vez más empresas cuentan con los recursos necesarios para desarrollar alternativas competitivas.

Esto beneficia especialmente a los usuarios.

Más competencia suele traducirse en:

• Más innovación.
• Mejor calidad.
• Menores costes.
• Nuevas funcionalidades.
• Mayor accesibilidad.

Lo más sorprendente: la velocidad de las actualizaciones

Quizá el aspecto más difícil de seguir para los profesionales audiovisuales no sea aprender una herramienta concreta.

Es mantenerse al día.

Hace apenas unos meses nos sorprendían vídeos de 5 segundos.

Después llegaron los de 10 segundos.

Más tarde aparecieron mejores movimientos de cámara.

Luego la sincronización labial.

Después la generación de audio.

Y así sucesivamente.

Cada actualización parece resolver algunos de los problemas que hasta hace poco parecían imposibles.

Lo que antes necesitaba meses de investigación ahora puede aparecer en una nueva versión publicada pocas semanas después.

¿Qué significa esto para los profesionales del vídeo?

La pregunta más habitual sigue siendo la misma.

¿Van a desaparecer los creadores audiovisuales?

La realidad apunta en otra dirección.

Lo que está cambiando son las herramientas.

La necesidad de contar historias sigue existiendo.

Las marcas continúan necesitando estrategia.

Los clientes siguen buscando creatividad.

Y los espectadores siguen conectando con las emociones.

La IA puede generar imágenes impresionantes, pero todavía necesita dirección, criterio y una visión clara para producir contenidos realmente efectivos.

Por eso cada vez parece más importante combinar conocimientos audiovisuales tradicionales con el dominio de estas nuevas herramientas.

El futuro ya no se mide en años

Quizá la mayor lección que nos deja esta revolución tecnológica es que el futuro ya no se mide en décadas ni siquiera en años.

Se mide en meses.

Modelos como Veo, Sora, Kling, Ray y los que están por llegar están acelerando la evolución del vídeo a una velocidad nunca vista.

Y aunque es imposible predecir exactamente cómo será la producción audiovisual dentro de cinco años, hay algo que parece bastante claro.

La inteligencia artificial no va a dejar de mejorar.

La verdadera pregunta es si nosotros seremos capaces de evolucionar al mismo ritmo que ella.

La entrada La carrera de la IA en vídeo: Veo, Sora, Kling, Ray y la velocidad a la que está cambiando todo se publicó primero en Productora audiovisual Motion Graphics.

Pero, ¿significa esto que la IA va a sustituir a los profesionales del vídeo?

La respuesta es NO.

Lo que realmente ocurre es que se están transformando los procesos de trabajo. Las tareas repetitivas y mecánicas se automatizan mientras que la creatividad, la estrategia y la capacidad de contar historias siguen dependiendo de las personas.

¿Qué es la IA aplicada al vídeo?

La inteligencia artificial aplicada al vídeo consiste en utilizar algoritmos capaces de analizar imágenes, sonido y texto para generar, editar o mejorar contenido audiovisual.

Hace apenas unos años era necesario dedicar horas a determinadas tareas de postproducción. Actualmente muchas de ellas pueden realizarse en cuestión de segundos/minutos.

Algunas de las funciones más utilizadas son:

• Generación automática de guiones.
• Creación de vídeos a partir de texto.
• Subtitulado automático.
• Traducción y doblaje de voz.
• Eliminación de ruido de audio.
• Corrección de color asistida.
• Creación de imágenes para vídeos.
• Generación de locuciones sintéticas.
• Edición automática para redes sociales.

Esto no significa que el resultado final esté listo para publicar sin supervisión, pero sí supone un importante ahorro de tiempo.

La IA en la fase de preproducción

La fase de planificación es una de las que más se está beneficiando de la IA.

Antes de comenzar un proyecto audiovisual debemos definir:

• Objetivos.
• Público objetivo.
• Guión.
• Storyboard.
• Recursos gráficos.

Actualmente existen herramientas capaces de generar propuestas de guión, estructuras narrativas e incluso ideas para campañas de vídeo marketing.

Por ejemplo, una empresa que quiera promocionar un nuevo servicio puede obtener en pocos minutos diferentes enfoques creativos para desarrollar posteriormente.

La IA acelera la fase inicial del proyecto, permitiendo dedicar más tiempo a las decisiones realmente importantes.

Creación de imágenes y recursos visuales

Uno de los avances más llamativos es la generación de imágenes mediante inteligencia artificial.

En este momento es posible crear:

• Escenarios futuristas.
• Fondos personalizados.
• Concept art.
• Ilustraciones corporativas.
• Personajes.
• Recursos para motion graphics.

Esto viene genial para empresas que necesitan imágenes para sus vídeos, campañas o redes sociales sin tener que organizar sesiones de fotos costosas o producciones más complejas.

Ahora bien, no todo consiste en darle a un botón y esperar resultados.

La parte importante sigue siendo saber qué quieres comunicar y cómo quieres hacerlo. Una herramienta de IA puede generar cientos de imágenes en pocos minutos, pero elegir la que realmente encaja con el mensaje, la identidad de la marca y el objetivo del vídeo sigue siendo una decisión humana.

Al final, la tecnología ayuda mucho, pero el criterio creativo sigue marcando la diferencia.

Edición de vídeo asistida por IA

La postproducción es probablemente el área donde más tiempo se puede ahorrar.

Muchas herramientas permiten:

Detectar silencios automáticamente

Ideal para vídeos de Youtube, cursos online o entrevistas.

Crear subtítulos automáticos

Una de las funciones más demandadas actualmente para redes sociales.

Reencuadrar vídeos para formatos verticales

El software identifica automáticamente al protagonista y adapta el contenido para TikTok, Instagram Reels o Youtube Shorts.

Mejorar la calidad del audio

Reduciendo ruido ambiental o mejorando la claridad de la voz.

Generar resúmenes automáticos

Especialmente útil para webinars, podcasts y eventos corporativos.

Lo interesante es que estas funciones permiten reducir horas de trabajo sin afectar a la calidad final cuando son supervisadas correctamente.

IA y creación de vídeos para redes sociales

El consumo de vídeo sigue creciendo año tras año.

Las empresas necesitan publicar contenido constantemente y esto genera una gran demanda de producción audiovisual.

Aquí es donde la inteligencia artificial aporta una ventaja importante.

Por ejemplo:

• Convertir un artículo en varios vídeos cortos.
• Generar clips destacados de una entrevista.
• Crear versiones para distintas plataformas.
• Adaptar subtítulos automáticamente.
• Traducir contenidos a diferentes idiomas.

Gracias a ello es posible aumentar la frecuencia de publicación manteniendo unos costes razonables.

No obstante, publicar más no siempre significa obtener mejores resultados.

La estrategia y la creatividad siguen siendo fundamentales.

¿La IA sustituirá a los editores de vídeo?

Es una pregunta que aparece constantemente.

La realidad es que la IA está eliminando principalmente tareas repetitivas.

Lo mismo ocurrió en otros momentos de la historia con nuevas tecnologías.

Un editor de vídeo no solamente corta clips.

También debe:

• Construir una narrativa.
• Mantener el ritmo.
• Transmitir emociones.
• Elegir la música adecuada.
• Diseñar la experiencia visual.

Estas capacidades siguen dependiendo de la experiencia humana.

La inteligencia artificial puede acelerar el trabajo, pero todavía no comprende el contexto, la intención o las emociones de la misma forma que una persona.

Ventajas de utilizar IA en producción audiovisual

Mayor velocidad

Los tiempos de producción se reducen considerablemente.

Menor coste operativo

Al automatizar determinadas tareas.

Más capacidad creativa

Permite generar múltiples propuestas antes de tomar una decisión.

Escalabilidad

Una misma campaña puede adaptarse rápidamente a diferentes formatos.

Accesibilidad

Subtítulos, traducciones y locuciones pueden crearse con mayor facilidad.

Los riesgos de depender demasiado de la IA

No todo son ventajas.

Existen algunos aspectos que conviene tener en cuenta:

Contenido genérico

Muchas producciones generadas automáticamente terminan pareciéndose entre sí.

Errores en información o contexto

La supervisión humana sigue siendo necesaria.

Problemas de derechos de autor

Es importante conocer el origen de los recursos utilizados.

Pérdida de identidad visual

La automatización excesiva puede hacer que una marca pierda personalidad.

Por este motivo la IA debe entenderse como una herramienta de apoyo y no como un sustituto completo del proceso creativo.

Conclusión

La inteligencia artificial ha llegado para quedarse y está cambiando profundamente la forma en que se crean vídeos.

Permite automatizar tareas, reducir tiempos de producción y generar recursos visuales con una rapidez impensable hace pocos años.

Sin embargo, los mejores resultados siguen apareciendo cuando la tecnología se combina con la experiencia, la creatividad y el criterio de los profesionales audiovisuales.

La IA no sustituye las ideas, las potencia.

Y precisamente ahí es donde se encuentra la gran oportunidad para empresas, creadores de contenido y profesionales del sector audiovisual durante los próximos años.

La entrada Inteligencia Artificial y Vídeo: La Revolución que está Transformando la Producción Audiovisual se publicó primero en Productora audiovisual Motion Graphics.

El color puede crear un cambio drástico visualmente. No es necesario que sea un cambio radical, incluso con unos retoques sutiles se puede generar un gran impacto en la audiencia.

Este artículo no hará que seas automáticamente un buen colorista. Pero te explicará el proceso, los aspectos más relevantes, consejos y herramientas para hacértelo más fácil. 

Las dos fases del Color 

Empecemos por el concepto que te hará ver las cosas de otra manera. Existen dos fases bien diferenciadas dentro de la postproducción de Color: la corrección de color vs. el color grading.

La corrección de color es el proceso de postproducción por el cual se corrige una pieza audiovisual para que exista una coherencia estética y que todas las escenas tengan un equilibrio en el color. Es la parte más técnica del tratamiento, donde también se igualan las distintas cámaras que se hayan podido usar.

A partir de esta base, el colorista puede continuar con la fase del color grading.

El color grading es el proceso más creativo, con el cual generamos el estilo de la imagen final. Es nuestra oportunidad de provocar emociones y sensaciones en los espectadores. Cada color tiene una intención.

Aquí es donde entra en juego la psicología del color, que nos ayudará a entender mejor qué queremos transmitir en cada pieza. 

La pregunta del millón: ¿porqué el Color Grading importa?

La claridad visual de la historia importa, y es esencial para que exista. Queremos que la imagen en nuestro video tenga el impacto adecuado, por lo que si no tienes el control sobre el matiz del color, no podrás crear la escena que buscas.

Recuerda que el color afecta al tono emocional y la estética final que tus ojos pueden ver. Además, esto tiene una enorme influencia en cómo nuestro cerebro interpreta lo que vemos en pantalla.

¿Te has fijado que está muy de moda el conseguir un “look cinemático” para vídeo? Se trata de trasladar ese tono fílmico de las películas a un material audiovisual que no ha sido grabado como tal. Tu storytelling visual puede ser tan potente como un buen guión. 

“No es la flecha, es el indio”

Cualquier persona puede comprar LUTs o presets que pueden incorporar a su material y conseguir un look final. Como filtros que aplicas en tus fotos generando una serie de ajustes automáticos.

Pero la pregunta es, ¿eres capaz de hacer que tu material tenga consistencia y un look final enriquecido manualmente?.

Para ello hay distintas herramientas de software en el mercado, pero sin duda, la más potente y más usada a nivel profesional es DaVinci Resolve. Si ya has manejado otros programas de postproducción, te será fácil aprender o migrar a este software. Tiene una versión gratuita de gran capacidad y una versión “Studio” de pago.

Sin embargo, para desarrollar todo tu potencial como colorista y tener una personalidad y visión propias, no importa el conocimiento técnico del software, si no entiendes el porqué de lo que haces y para qué lo haces. Tu bagaje cultural, estilo, carácter y creatividad son los elementos que harán que destaques sobre otros profesionales.

Un claro ejemplo es el director de fotografía Vittorio Storaro, quien es conocido por trabajos como El último emperador, Apocalypse Now o Último tango en París. Su filosofía se inspira, en gran medida, en la teoría de los colores de Johann Wolfgang von Goethe, que se centra en los efectos psicológicos que tienen los diferentes colores y cómo estos influyen en nuestras percepciones de diferentes situaciones. 

El Color en acción

El cine es una actividad creativa y técnica a la que llamamos arte. No importa tu grado académico, cuántos cursos hayas estudiado o si eres autodidacta, tu flujo de trabajo debe ser personal.

No sientas que deberías replicar lo que otros profesionales hacen paso por paso. En cambio, el mejor camino es explorar y jugar con tus habilidades creativas, ya que cada uno tiene una forma diferente de afrontar los proyectos y de conseguir resultados.

Es importante no olvidar la parte técnica que la cinematografía requiere, y a partir de ahí, construir tu mundo creativo.

Así que por mucho que esta pequeña guía puede haberte ayudado, te invito a que explores tu potencial y que no renuncies a hacer de tu pasión tu profesión. Si te gustaría ser Colorista profesional, aquí va la regla de oro: solo toma el consejo de aquellas personas que ya trabajan de lo que a ti te gustaría…

…y acción!

Autora del artículo: Irene Ferarios

La entrada 4 razones por las que el Color Grading marcará la diferencia en tus videos se publicó primero en Productora audiovisual Motion Graphics.

Herramientas para animar logotipos

Existen bastantes programas para poder realizar animaciones de nuestro logotipo y también para animaciones más complejas:

• Adobe Spark
• Adobe After Effects
• Animatron
• Gimp (gratuito)
• Pencil (gratuito)
• Scratch (gratuito)
• Tupi (gratuito)
• Synfig (gratuito)
• Opentoonz (gratuito)

Muestras de animaciones

Aquí muestro algún ejemplo de animación en 2D sobre logotipos, ¿cuál te gusta más? ¿hay alguno que encaje mejor con tu logotipo?

Y aquí el 25 Aniversario de animaciones de #LogosEmprendedores gracias a Carlos García Cubero

También como inspiración estas maravillosas animaciones de marcas conocidas:

La entrada Animación de Logotipos en 2D se publicó primero en Productora audiovisual Motion Graphics.

Para entender bien la técnica vamos a repasar los origenes.

Historia del Croma

El origen del croma es gracias a numerosas pruebas realizando efectos visuales, el primero y más conocido fue Georges Méliès.

Georges Méliès, padre de los efectos visuales

Fue un ilusionista y cineasta francés, un visionario que plasmó su genialidad en más de 500 películas, también fue el propietario del primer estudio acristalado diseñado específicamente para el cine.

Mejoró la técnica del plano mate o matte shot, que consiste en tapar parcialmente el objetivo de la cámara con cristales pintados de negro, evitando así que la película quedara impresa por la luz en esa zona concretamente que también se llama máscara.
Después, rebobinando la cinta e invirtiendo la máscara, quiere decir, cubriendo la zona opuesta del objetivo, impresionaba el resto de la película.

Aquí debajo dejo un tweet de donde Carolina Jiménez deja bien claro la técnica matte shot, gracias Carolina!

Proceso Williams o Williams double matting process

El primer método que utilizó una máscara móvil fue desarrollado por el director de fotografía americano Frank D. Williams, llamado Proceso Williams (1918).

Primero se grababa a los actores moviéndose sobre un fondo negro, tras el revelado se hacía una copia de la película elevando al máximo el contraste, de modo que la acción de los actores quedaba registrada como una silueta blanca sobre un fondo negro. Y era este fondo negro con la silueta blanca en movimiento recortada sobre el lo que se utilizaba como matte shot, permitiendo que la zona negra quedara sin impresionar disponible para realizar después la composición.

El proceso de Williams tuvo algunos problemas: por un lado, cualquier sombra sobre el tema se perdería en el mate. Una alternativa surgió en 1925, inventada por C. Dodge Dunning, que eventualmente se llamaría Dunning Process.

Dunning Process o proceso de reclamo

Este proceso utilizó luces de colores, iluminando una pantalla de fondo en azul y el personaje en primer plano en amarillo. Usando tintes y filtros, la luz azul y amarilla se podría dividir para crear mates de movimiento. El Dunning Process se utilizaría por primera vez en King Kong en 1933.

El problema con el Dunning Process era que solo funcionaba con películas en blanco y negro. Pronto salió una nueva técnica y vendría en 1940 por el artista de efectos especiales Lawrence W. Butler en El ladrón de Bagdad.

Proceso de la pantalla azul o bluescreening process

Usando el proceso de tres secuencias en Technicolor, Butler filmó al personaje contra un fondo azul. Se usó azul porque era el más alejado de los tonos de piel y el material de película azul tenía el grano más pequeño. Tomando la separación azul de los tres negativos en Technicolor, Butler pudo crear una silueta mate como con el proceso Williams. Luego, usando una impresora óptica, una invención (relativamente nueva en ese momento) que podía combinar varias secuencias de la película en una, Lawrence primero eliminaría el fondo azul de la toma del primer plano y, usando el negativo del mate en movimiento, eliminaría el espacio de primer plano de la toma de fondo y luego finalmente combinar las tomas de primer plano y de fondo.

Esta técnica de pantalla azul ganó un Oscar a los mejores efectos especiales por El ladrón de Bagdad de Lawrence Butler en 1940, pero no estuvo exenta de problemas. Este proceso requirió mucho tiempo, ya que involucró realizar varios pasos con una impresora óptica. Otro problema era que casi siempre se veía una delgada línea azul en las tomas. Tampoco podía controlar detalles finos como el cabello, humo o desenfoques de movimiento. A pesar de tener estas limitaciones, el proceso de la pantalla azul se utilizó ampliamente, incluso en éxitos de taquilla como Los diez mandamientos en 1956.

Hollywood siguió experimentando con otras variaciones en el proceso de la pantalla azul, incluido el mate ultravioleta como se usa en The Old Man y The Sea . Pero el verdadero desafío a la pantalla azul se creó a finales de los 50 y se le atribuye a uno de los gigantes del mundo de la composición, Petro Vlahos.

Petro Vlahos y su Chroma Key

Este ingeniero fue el que definitivamente dio un paso de gigante al solucionar los problemas de recorte de las imágenes reales sobre el fondo de color, logrando un efecto realista que año a año se ha ido perfeccionando. Su principal aportación fue la creación de un proceso de laboratorio complejo que implicaba la separación de la señal en azules, verdes y rojos antes de combinarlas de nuevo juntas en un orden determinado junto a una señal externa a incrustar.

Vlahos implementó su técnica que denominó “colour-difference travelling matte scheme” a petición de la Metro-Goldwin-Mayer. Fue puesta en práctica por primera vez para grabar la escena de la carrera de cuadrigas en Ben-Hur, estrenada también en 1959.

Gracias a esta técnica se acabaron los problemas de recorte que solía generar el pelo, el humo o los reflejos.

Petros fundó Ultimatte Corporation en 1976 para desarrollar su invento en la televisión. Creó más de 35 patentes de aparatos relacionados con películas. En 1978 gano un Emmy por la tecnología de composición Ultimatte.

Hoy en día el chroma key es un recurso habitual en la producción de cine y televisión.

¿Qué es el Chroma key?

Es una técnica audiovisual que consiste en extraer un color de una imagen o vídeo para reemplazarla por otra imagen o vídeo, Esto se hace habitualmente rodando al personaje o escena con un fondo verde o en otras ocasiones azul. Son unos tonos específicos, no valdría cualquier verde o cualquier azul. Después habría que utilizar un programa informático de edición de vídeo (ejemplo Adobe Premiere) para eliminar (o hacer transparente) ese fondo verde o azul.

Es utilizada en postproducción, cine, televisión y fotografía, normalmente cuando resulta muy costoso o poco factible grabar en el escenario deseado. Con este recurso se permite la creación de muchos efectos especiales.

¿Cómo se hace?

Antes de pasar a la explicación me hago una pregunta ¿Por qué el fondo de la grabación tiene que ser verde o azul?

En Croma key se puede usar con distintos colores de fondo aunque lo más recomendable para grabar son los colores más alejados al tono de nuestra piel ( verde y azul).

En posproducción se discriminan mejor. El verde es el más estándar porque actualmente las cámaras digitales son más sensibles a él, por lo que es más fácil a la hora de extraerlo. El postproductor siempre escogería el color azul por facilidad de key y el director de fotografía el verde, porque es muchísimo más fácil de iluminar.

¿Cuándo usar fondo verde o azul?

Puede haber varios factores. Depende de lo que lleve puesto el personaje y de lo que se muestre en escena. Aunque habría que tener en cuenta donde aparecería el personaje, si la localización es un exterior a la luz del día, se filmaría en croma verde ya que los posibles restos de verde que queden en los bordes al extraer el croma key, se disimularán mejor con el fondo. En cambio si se graba durante la noche lo más recomendable es el croma azul.

Lo primero que habría que hacer (es muy importante) es iluminar el fondo y el personaje por separado. El fondo tiene que iluminarse lo más plano y liso que sea posible. Que no haya sombras ni fuentes de luz difusas (que no produzcan sombras definidas). Si se utilizar una tela como croma es importante que no tenga arrugas.

A continuación se grabará al personaje, proyectándole una luz diferente a la del fondo.

Después se rodará la imagen que va a ocupar el hueco que deje el croma key (habría que tener en cuenta el tamaño de plano, ángulo, y demás factores de composición )

Y después gracias a un ordenador con un software especializado en edición de vídeo eliminaremos el croma e integraremos la imagen.

El Chroma key se puede utilizar en: fondos fantásticos, sustituyendo exteriores, escenas de riesgo, marionetas o animatrones, para recortar a los actores, explosiones y pirotecnia, o también maquetas.

La entrada ¿Qué es la Técnica Croma o Chroma key? Toda la historia se publicó primero en Productora audiovisual Motion Graphics.

Diferencia entre VFX y FX

VFX: Los efectos visuales son los que se realizan en postproducción, es decir, se añaden al material ya grabado. Son los más utilizados en películas estilo The Matrix, Titanic, Vengadores – Endgame, Star Wars, etc. Se realizan cosas maravillosas a menor coste y muuucho más seguras para los actores/actrices que participan en los rodajes.

Aquí algunos ejemplos de VFX en la película The Matrix:

FX: Los efectos especiales son los que crean durante la grabación, sin la ayuda de la postproducción, como pueden ser escenas de tiroteos, explosiones, personas colgadas de cables…

Ejemplo de Efectos especiales en el cine mudo:

Software utilizado en VFX

Aquí una lista con los programas más utilizados para VFX:

• Autodesk Maya
• Flame Premium
• Smoke
• Autodesk 3DS Max
• Blender
• Houdini – SideFX
• RealFlow
• Cinema 4D
• Nuke
• Blackmagic Fusion
• Adobe After Effects

Profesiones de VFX

• Visual Effects Artist (Artista de efectos visuales)
• VFX compositor , utilizará técnicas como las de borrado de elementos, extracción de cromas (fondos verdes), ampliación de entornos hasta la integración de cualquier tipo de elemento digital
• On-set Supervisor, dirige y revisa la producción de todas las ilusiones ópticas realizadas con tecnologías digitales
• VFX Editor (Editor de efectos visuales)
• VFX Producer, gestiona todo el proceso de creación de VFX.
• Director de Arte, define gráficamente como será la imagen del proyecto que se va a desarrollar.

Fuente: https://www.lidembarcelona.com/los-vfx-y-su-amplio-abanico-de-ofertas-profesionales/

Artistas de Efectos Visuales

• Allan Mckay (Transformers: Dark of the Moon, Blade, The Last Airbender, Star Trek: Into Darkness)
• Carlos Baena (La Noria, The Tiger’s Apprentice, Play by Play, Market St. )
• Joe Letteri (Batman vs Superman: Dawn of Justice, The Hobbit, Avatar, Star Wars,..)
• Andrew Kramer (Tutoriales Video Copilot con After Effects)
• Dylan Code (Matte Painter en Return of the King y Concept Art Director en Avatar)
• Shawn Kelly
• Bobby Beck (animation mentor)
• Jeffrey A. Okun (Startgate, Deep Blue Sea, Starfighter: La aventura comienza)
• Craig Barron
• Matt Aitken
• Hasraf Dullul
• Pete Jopling
• Conrad Olson

Hago mención especial a la artista de Layout Carolina Jiménez.

Fuente: Wikipedia

Estudios de VFX en todo el mundo

• Deluxe Entertainment
• Double Negative
• Framestore
• Industrial Light & Magic
• Madison Square Garden Entertainment
• MediaMonks
• MPC Adverstising
• Sony Pictures Imageworks
• Technicolor
• The Mill
• Weta Digital
• Anibrain
• Animal Logic
• Base FX
• Cinesite
• Digital Domain
• Legend 3D
• Mackevision
• Method Studios
• Pixomondo
• Rodeo FX
• Scanline VFX

Fuente: https://studiohog.com/vfx-studios/

Como aportación de OK VIDEO puedes ver esta pequeña prueba con VFX:

La entrada ¿Qué son los VFX o efectos visuales? se publicó primero en Productora audiovisual Motion Graphics.

Esta canción pertenece al disco History del año 1995. Fué escrita Jimmy Jam, Terry Lewis y por el mismísimo rey del Pop (Michael Jackson). Cantó junto a su hermana (Janet) uno de los mejores dúos que se han podido escuchar del cantante.

La grabación de Scream se realizó en The Hit Factory en Nueva York y en Flyte Tyme Studios en diciembre 1994. Fue dirigido por Mark Romane.

¿Cuanto costó el vídeo Scream?

Un total de 7 millones de dólares se necesitaron para componerlo.

• 636.000 $ grabación de 11 días.
• 40.000 $ coreografía.
• 80.000 $ vídeos gigantes.
• 5.000.000 $ Once sets escenográficos.
• 175.000 $ Luces.
• 50.000 $ efectos Morphing.
• 53.000 $ de las Guitarras Gibson.
• 65.000 $ en la animación de la nave espacial.
• 8.000 $ en Maquillaje de Michael Jackson.

FUENTE: Wikipedia

Cosas que no conocías sobre la creación de Scream

Michael siempre quiso realizar un vídeo musical donde él y su hermana escapan de la prensa y rodeados de cosas futuristas, quería algo épico y lo lograron con este vídeo. Se invirtió muchísimo dinero: la animación de la nave espacial, las guitarras, efectos especiales, el maquillaje, la coreografía, las luces, las 11 escenografías.

La nave espacial estaba dividida en siete ambientes diferentes donde Michael los utilizaban para meditar, jugar o bailar.

Una de las curiosidades del vídeo fue que en todo momento utilizaron el blanco y negro, también aparecen fragmentos de uno de los comics más conocidos de todos los tiempo ‘Akira’. Michael quiso poner este dibujo en su videoclip porque aunque algunos no lo conocen, este dibujo representa el inicio del mundo de la animación del manga en Japón en los años 80.

Scream ganó varios premios, como por ejemplo al mejor vídeo musical, también por la mejor coreografía y mejor dirección artística en los premios MTV de 1995. Además obtuvo el primer lugar como el mejor vídeo del año en los premios Billboard.

Otros Videoclips más caros

El segundo de la lista de los videoclips más costosos sería la reina del pop Madonna con el tema Express Yourself (1989). Costó 7,1 millones de euros, siendo David Fincher el que lo dirigiera.

El tercero más caro también es de Madonna, la canción fue Die another day (2002). Esta vez fueron 6 millones de euros los que emplearon en la creación del videoclip. Fue banda sonora en una de las películas de la saga de James Bond, también la canción más bailada entre 2002 y 2003 y fue nominada para los Grammy.

Videoclip Madonna – Die another day

Y el cuarto puesto lo tiene también Michael Jackson con una de sus obras maestras ‘Black or White’ (1991)

Jackson se gastó más de 5 millones de euros en el vídeo. Consiguió una audiencia de unos 500 millones de personas.

Videoclip Michael Jackson – Black or White

La entrada ¿Cuál es el videoclip con mayor coste? se publicó primero en Productora audiovisual Motion Graphics.

¿Qué es un vector?

Los gráficos vectoriales están definidos por atributos matemáticos, que serian la posición, forma, el color u otros. Cada línea que lo compone está hecha desde un punto de inicio, punto final, radio, grosor, color y relleno.

Por ejemplo, para definir un círculo sencillo solo haría falta un punto medio y el radio.

Se utilizan principalmente para logotipos, iconos, ilustraciones, tipografías u otros elementos para webs.

Formatos de archivos vectoriales

• Ai (Adobe Illustrator)
• Fh (Freehand)
• Cdr (Corel Draw)
• Dwg (Autodesk)
• Wmf (meta archivo de Windows)
• Svg (Scalable Vector Graphics)
• Ttf (TrueType Font)
• Pdf (formato de Adobe)
• Af.dessign (Affinity Designer)

Este sería un ejemplo de imagen vectorial comparado con un mapa de bits:

Ventajas y desventajas de la imagen vectorial

• No pierde calidad al aumentar su tamaño (tampoco al ser impresas).
• Almacenan mucha más información compleja y ocupan poco espacio.
• Es un objeto o dibujo.
  
• Gran limitación a la hora de reproducir una fotografía en base a vectores.

¿Qué es un mapa de bits?

Es el formato gráfico cuya unidad mínima es el píxel (cuadro con información sobre su color). Estos píxeles se distribuyen en una cuadrícula que formarían la imagen completa.

Son idóneos para representar imágenes con muchos detalles, como por ejemplo fotografías hechas con cámara digital o las creadas a partir de un escáner.

La calidad del mapa de bits (y su resolución) dependería de la cantidad de pixeles que lo componen.

Formatos de mapa de bits (bitmaps)

• Png
• Jpg
• Gif
• Psd (Photoshop)
• Raw

Ventajas y desventajas de un mapa de bits

• Representan fielmente la realidad.
• La mejor opción para fotografías gracias a su alto nivel de detalle.
  
• Al aumentar su escala pierden demasiada calidad.
• Si tienen mucha calidad pueden pesar bastante.
  

Conclusión

A la hora de realizar animaciones suelo utilizar más imágenes vectoriales ya que los programas estilo After Effects se manejan mejor que estos formatos a la hora de realizar transiciones, escalar, etc.

La utilización de bitmaps es más recomendable en vídeos corporativos y/o presentaciones de producto ya que detallan con mayor realismo lo que se muestra.

Un ejemplo de animación con vectores para la empresa Krealia:

Otro ejemplo de animación realizada a partir de vectores, como veis es más sencilla la transición entre elementos vectoriales.

La entrada Vector vs mapa de bits (bitmap) se publicó primero en Productora audiovisual Motion Graphics.

Tropic Colour

Estos LUTs también contienen preajustes de fotos, recursos para editar en 4K luces anamórficas, efectos de humo, fuego. Todo ello con precios asequibles.

JOP LUT bundles 1 – 5

Con estos LUTs conseguirás obtener un aspecto cinematográfico perfecto. Este completo paquete contiene hasta 5 grupos de LUTs.

Magic Bullet Looks

Esta opción es muy utilizada, son bastante utilizados estos LUTs de RedGiant.

Color Grading Central LUTs (gratuito)

Color Grading Central es una creación de Denver Riddle, un colorista profesional que ha hecho mogollón de trabajos para mejorar la formación en la clasificación de color con sus productos y tutoriales.

Urban Desaturated LUTs

Este potente pack Urban Desaturated te ofrece 24 efectos increíbles en una sola descarga. En tan solo un instante podrás aplicar un acabado mate oscuro a cualquier vídeo. Además, incluye ajustes preestablecidos de Lightroom en cada efecto, lo que te permitirá también editar fotos fijas.

IWLTBAP 10 LUTs gratuitos

IWLTBAP puede ayudarte a conseguir un montón de looks populares con sus LUT profesionales. Aquí debajo tienes una muestra.

RocketStock 35 LUTs gratuitos

Este es uno de los paquetes gratuitos más utilizados. Son archivos 3D .CUBE, por lo que puedes usarlos en Premiere Pro CC, FCPX, After Effects CC, DaVinci Resolve y otras aplicaciones NLE y de gradación de color.

Este pack es bueno para looks vintage y vídeos cortos.

Fuente: https://www.shutterstock.com/blog/129-free-cinematic-luts

PremiumBeat 17 LUTs gratuitos

Si quieres más LUTs inspirados en películas clásicas no se te olvide descargar este paquete gratuito.

SmallHD 7 LUTs gratuitos

Este pack de LUTs gratuitos está inspirado en películas como The Matrix y Salvar al soldador Ryan.

Greyscalegorilla 13 LUTs gratuitos

Está diseñador para motion graphers, estos LUTs gratuitos del colorista Jeremy Stuart te pueden ayudar en cualquier proyecto.

Juan Melara 4 Free LUTs

Otro paquete del colorista profesional Juan Melata, este paquete gratuito incluye 4 emulaciones de películas Kodak.

Motion VFX

Estos LUTs que puedes usar son: Badlands, Dramatic, Cold War, Frontier, y Startling. El procesamiento de las imágenes es mucho más sencillo con estos LUTs, y también hay otros paquetes premium de pago.

LUTx: Final Cut Pro

Este paquete tiene dos LUTs gratuitos para Final Cut Pro. Podrás disfrutar de una gran flexibilidad en los ajustes de color con Apply Basic LUT y Apply Camera LUT.

La entrada Los mejores LUTs para vídeo se publicó primero en Productora audiovisual Motion Graphics.

Un buen ejemplo de animación 2D es la serie de dibujos para niños Peppa Pig,

Hay montón de series del estilo que gracias a los dibujos sencillos podemos enganchar al usuario (en este caso los niños).

Parece que al decir dibujos animados o animaciones en 2D no estamos enfocando a un público infantil. No se tiene que generalizar ya que el método para generar las animaciones puede aplicarse a objetos, logotipos, personajes, escenas.

La animación 3D es más compleja ya que existen más características que se pueden añadir como iluminación, texturas, cámaras. Cuenta con los 3 ejes X, Y y Z (profundidad).

¿Qué es la animación 3D?

Viene a ser un proceso informatizado utilizado por los animadores para dar la sensación de movimiento a través de la creación de secuencias de imágenes 3d fijas.

Los objetos creados pueden girarse y moverse en un espacio de 3 dimensiones (tridimensional) y se realiza mediante programas o aplicaciones (Autodesk Maya, Autodesk 3D Studio Max, Blender, Cinema 4D, MotionBuilder, Houdini, Modo) donde se modela y esculpe digitalmente.

También puedes darle a tus diseños un fondo, una iluminación, una profundidad o, incluso, un efecto de movimiento.

Aquí os dejo un enlace a un canal relacionado ESCARDO | Club de Animación 3D:

Consejos importantes para animar personajes en 3D

Crear unas claves de animación y ponerlo en movimiento quizás con una esfera sea algo sencillo, pero crear una animación de un personaje a veces tiene su complicación cuando este crece y se hace complejo.

Es realmente difícil animar un personaje, hay varios aspectos: uno es la aplicación de los principios de animación, por ejemplo cuando estamos animando, el time inadecuado, los arcos de movimiento hay muchas cosas que tiene que ser dominadas y ser aplicadas deforma adecuada.

Luego está la mecánica del movimiento, aveces trabajando con personajes bípedos que caminan, se mueven, se desplazan y nuestro ojo está acostumbrado todos los días a ver personajes bípedos no cuadrúpedos, pero los que animan en 3D observan y dicen que no se mueve bien.

Entonces, hacer que la mecánica del movimiento en los personajes 3D adquiera una calidad y un nivel lleva su tiempo y mucha práctica, ya no solo que se mueva bien sino que actúe motivado por algo interno, que puede ser una emoción, un pensamiento algo que llame la atención, que parezca que está vivo. Es algo fascinante de hacer, pero muy difícil, lleva tiempo no te creas que es algo tan sencillo animar personajes 3D .

Trucos para realizar animaciones 2D

Da igual si es una animación 2D o cualquier otro tipo de animación. Existen multitud de tips para crear animaciones impactantes y reales.

Los veteranos animadores de Disney, Ollie Johnston y Frank Thomas, sugirieron 12 principios de animación:

Fuente: https://www.renderforest.com/es/blog/2d-animation

• Ritmo: ajusta el tiempo de las escenas para que sean más lentas o más rápidas;
• Encoger y estirar: da peso y volumen a sus personajes mientras se mueven;
• Anticipación: informa al público sobre una acción importante que va a suceder;
• Dibujo Sólido: aunque los personajes se dibujan en un espacio bidimensional, deben parecer que sus formas tienen cierto peso;
• Puesta en escena: expresa la clara intención de sus personajes a través de cada pose o acción;
• Animación directa y Pose a pose: elije una de las técnicas de creación de animación; dibuja las posturas clave y luego agrega las posturas de transición, o crea cada escena una tras otra;
• Exageración: el uso de exageraciones en los movimientos también ayuda a enfatizar algunos puntos e ideas;
• Acelerar y desacelerar: para hacer que las acciones sean más realistas, dibuja más fotogramas al principio y al final de la acción y menos fotogramas en el medio;
• Arcos: añada movimientos ligeramente circulares a las acciones de los personajes;
• Acción complementaria y Acción superpuesta: presta atención a los movimientos de los personajes, ya que algunas partes se mueven más rápido que otras y cuando el personaje se detiene, algunas partes del cuerpo siguen moviéndose;
• Acción Secundaria: para enfatizar la acción principal, usa acciones secundarias que le agreguen más vivacidad;
• Atractivo: asegurate de crear personajes atractivos para que el público esté interesado en verlos.

Software para animación 2D

Hay software bastante bueno y profesional para realizar animaciones 2D, como por ejemplo:

Toon Boom Harmony (desde 17€ / mes)

CelAction2D (desde 1200€ pago único)

Opentoonz (gratuito)

Moho (Anime Studio) Pro (desde 462€ pago único)

Stop Motion Studio (desde $4.99), es animación frame a frame.

Adobe Animate (desde 25€ / mes)

¿Qué software utilizo para animar en 2D?

Yo uso principalmente Adobe After Effects, acompañado por Adobe Illustrator. Llevo bastantes años usando el software de aplicación de efectos de Adobe ya que permite un manejo muy completo de todos los elementos en las capas en la línea de tiempo.

También me ayudo alguna vez del software de retoque fotográfico Adobe Photoshop por si hay que modificar o añadir alguna imagen (bitmap) en la animación.

Ejemplo de Animación 2D:

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